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Naturalizations

(2002-present)

NATURALIZACIONES

(2002-presente)

Provisions Book & DC Interventions

Provisions Book & DC Interventions

Interaction Ritual

RITUAL DE INTERACCIÓN

The Dance of Mirrors

LA DANZA DE LOS ESPEJOS

Media Defacements

DESFIGURACIÓN DE MEDIOS

The Mechanism of Facial Expression

EL MECANISMO DE LA EXPRESIÓN

Point-Counterpoint-Fusion (HOMAGE TO DANIEL BUREN)

PUNTO-CONTRAPUNTO-FUSIÓN (HOMENAJE A DANIEL BUREN)

The Execution of Maximilian (Parts 1 & 2)

LA EJECUCIÓN DE MAXIMILIANO: TABLEAU VIVANT PARA DIEZ PARTICIPANTES (PARTES 1 Y 2)

Statements on Masks

DECLARACIONES SOBRE LAS MÁSCARAS

The Experimental Kit

EL EQUIPO EXPERIMENTAL

Can You Rephrase That in the Form of a Question

¿PUEDE REFORMULARO EN FORMA DE PREGUNTA?

Missing Reflection: A Photoessay on Masking

REFLEJO FALTANTE: UN FOTO ENSAYO SOBRE ENMASCARAMIENTO

Vertical Flâneur

FLâNEUR VERTICAL

Naturalizations: Questions, Statements, & Propositions

NATURALIZACIONES: PREGUNTAS, DECLARACIONES Y PROPOSICIONES

Gedanken Die Nie Aneinaner Rührenn

Gedanken Die Nie Aneinaner Rührenn

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Gedanken Die Nie Aneinaner Rühren
1996

Experimental opera, text by Elias Canetti, music by Matthias Hinke, set and costume design by Pedro Lasch

This work included the first iteration of the mirror masks, originally designed as theatrical props for specific characters in the opera. While the visuals and music were completed, the opera was never presented to the public. Neither were the mirror masks until 2002, when they were radically reenvisioned as works to exist in everyday life.

GEDANKEN DIE NIE ANEINANER RÜHREN
1996

Ópera experimental, texto de Elias Canetti, música de Matthias Hinke, escenario y diseño de vestuario de Pedro Lasch

Esta obra incluyó la primera repetición de las máscaras espejo, originalmente diseñadas como utilería teatral para personajes específicos de la ópera. Si bien los visuales y la música se completaron, la ópera nunca se presentó al público. Tampoco las máscaras espejo sino hasta 2002 cuando fueron radicalmente re-imaginadas como obras que debían existir en la vida cotidiana.

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Interaction Ritual
2002-2014

Dialogues, intimate conversations, and small group interactions with use of mirror masks, duration variable (ongoing)

Paradoxically, the most public use of these mirror masks has also been its most intimate. Over the many years, they have been worn first and foremost in the context of the everyday. Hundreds of conversations, café gatherings, parties, security checkpoints, and other such small group settings with or without a specific agenda have added up to constitute an unlikely mass medium, this one being non-linear, multi-vocal, and decentralized. It is in this highly adaptable and intimate context that the work shows its closest links to network society and radical pedagogy. Just like a teacher who hates mass gatherings may cherish deep conversations with thousands of students - if we account for a life of teaching, it is this ‘interaction ritual’ that may account for Naturalization’s most significant social and perceptual intervention.

RITUAL DE INTERACCIÓN
2002-2014

Diálogos, conversaciones e interacciones de grupos pequeños con el uso de máscaras espejo, duración variable (en curso)

Paradójicamente, el uso más público de estas máscaras espejo también ha sido el más íntimo. A través de los muchos años se han usado principalmente en el contexto de lo cotidiano. Las cientos de conversaciones, reuniones en cafés, fiestas, puntos de control y demás escenarios de grupos pequeños con o sin una agenda específica han contribuido a constituir un medio masivo de comunicación no lineal, multivocal y descentralizado. Es en este medio altamente adaptable y contexto íntimo en el que la obra muestra sus vínculos más cercanos con una sociedad en red y con la pedagogía radical. Un profesor que detesta las reuniones multitudinarias puede estimar las conversaciones profundas con miles de estudiantes, si tenemos en cuenta una vida de enseñanza. Del mismo modo, este “ritual de interacción” es el que podría explicar la intervención social y perceptiva de Naturalización.

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The Dance of Mirrors
2003

Digital video, color, sound. Duration 3min, Edition of 12 (DVD), Collection of Gilberto Cárdenas Collection (#3 of 12)

This artwork documents an experimental dance with over sixty children wearing mirror-masks that happened in 2002 in Queens, NY. Staged as part of the experimental program ‘Art, Story-Telling, and the Five Senses’ that Lasch founded and directed between 2000 and 2005, the video has a soundtrack co-produced by the children. The centrality of folkloric ballet in immigrant communities is here fused with processes inspired by figures as wide as John Cage, Lygia Clark, Subcomandante Marcos, and Helio Oiticica. The result resembles a sci-fi, avant-garde folkloric ballet. The event was produced in collaboration with: Ballet Teopochtli, Encontrando Nuestras Raíces Afterschool Program, Mexicanos Unidos de Queens, and Asociación Tepeyac de New York, with additional support from Dedalus Foundation and a special performance by Ricardo Dominguez.

LA DANZA DE LOS ESPEJOS
2003

Video digital, color, sonido. Duración 3 min., edición de 12 (DVD), Colección de Gilberto Gilberto Cárdenas (#3 de 12)

Esta obra documenta una danza experimental con más de sesenta niños usando máscaras-espejo que tomó lugar en 2002 en Queens, NY. Escenificada como parte del programa experimental “Arte, narrativa y los cinco sentidos” que Lasch fundó y dirigió entre 200 y 2005, este video contiene una pista de audio co-producida por los niños. La centralidad del ballet folclórico en las comunidades inmigrantes está fusionado aquí con procesos inspirados por figuras tan variadas como John Cage, Lygia Clark, el subcomandante Marcos y Helio Oiticica. El resultado es una especie de ballet de ciencia ficción, vanguardista, folclórico. El evento fue producido en colaboración con: Ballet Teopochtli, Encontrando Nuestras Raíces Afterschool Program, Mexicanos Unidos de Queens y Asociación Tepeyac de Nueva York, con el apoyo adiciónal de la Fundación Dedalus y un performance especial por Ricardo Dominguez.

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Media Defacements
2004

Photo version: C-prints from b&w digital simulations, Suite of 20, Edition of 10 & 2 AP, originally published in Journal Rethinking Marxism - Vol.4, #16, October, 2004. Video version: 3 minutes, black-and-white, sound

The journalistic images that appear in this work have been significantly altered by the artist to open an internal dialogue between seemingly disparate areas of the contemporary world stage. The original photographs all share a common icon: human defacement. Indigenous zapatistas wearing black ski-masks in southern Mexico, women wearing blue burqas in Kabul or black abayas in Saudi Arabia, Iraqi torture victims wearing green or black hoods at Abu Ghraib, Michael Jackson wearing a mask in Russia, and black bloc members covering their face in Seattle, are but a few examples of the refusal of the face which has become the paradoxical icon of our generation.

DESFIGURACIÓN DE MEDIOS
2004

Versión en foto: C-prints de simulaciones digitales b/n, Juego de 20, Edición de 10 & 2 AP, originalmente publicada en Journal Rethinking Marxism – Vol.4, #16, octubre, 2004. Versión en video: 3 minutos, blanco y negro, sonido

Las imágenes periodísticas que aparecen en esta obra han sido significativamente alteradas por el artista para abrir un diálogo interno entre áreas aparentemente dispares del escenario del mundo contemporáneo. Todas las fotografías originales comparten un ícono en común: la desfiguración humana. Zapatistas indígenas usando pasamontañas negros al sur de México, mujeres usando burkas azules en Kabul o abayas negras en Arabia Saudita, víctimas de tortura iraquíes usando capuchas verdes o negras en Abu Ghraib, Michael Jackson usando una máscara en Rusia y miembros de un bloque negro cubriendo sus caras en Seattle son tan sólo algunos ejemplos del rechazo al rostro que se ha convertido en un ícono paradójico de nuestra generación.

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The Mechanism of Facial Expression
2004

Projection, photographic installation, and masks for public use

This installation presents an abstract scientific narrative with slide projections, or alternately, a photographic installation of adaptable scale. In both cases, the mirror masks provided for public use here split the users’ face into six distinct areas of transparency and reflection, creating complex spatial and psychological rhythms as visitors move through the building with the masks. Devised as a critical homage to the 1864 publication of Dr. Duchenne de Bolougne’s studies on ‘the mechanism of human facial emotion,’ this installation was first produced for the extraordinary setting of medical history displays at the Mütter Museum in Philadelphia, for an exhibition of contemporary art curated there by Tanya Leighton.

EL MECANISMO DE LA EXPRESIÓN FACIAL
2004

Proyección, instalación fotográfica y máscaras para uso público

Esta instalación presenta una narrativa científica abstracta con proyección de diapositivas o, alternativamente, una instalación fotográfica de escala adaptable. En ambos casos las máscaras espejo proporcionadas para uso público dividen aquí el rostro del usuario en seis áreas distintas de transparencia y reflexión. De este modo, crean ritmos espaciales y psicológicos complejos, al tiempo que los visitantes se mueven a través del edificio con las máscaras. Concebida como un homenaje crítico a la publicación de 1864 de los estudios del Dr. Duchenne de Bolougne’s sobre “el mecanismo de la emoción facial humana”, esta instalación se produjo en un inicio para el extraordinario escenario de las exhibiciones de historia médica en el Museo Mütter en Filadelfia para una exposición de arte contemporáneo ahí curada por Tanya Leighton.

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Point-Counterpoint-Fusion (Homage to Daniel Buren)
2004 / 2006

C-print installation and mirror masks for public use

This work deals with the various forms of identification we experience in our daily encounters: the sound of our names in relation to each other and what we associate with them, how our bodies measure up against one another, our nationalities, our age, gender, and the color of our skin. One crucial mechanism of the work is that our own identity is always dependent and relative to that of others. The musical analogy of the title refers to the fluctuating heights of the masks and their viewers (point - counterpoint), as well as the desires and anxieties experienced by the confusion of identity generated by the mask (fusion). The striped mask is a direct reference to French artist Daniel Buren’s decades long exploration of the social and physical structures around the production, perception and distribution of art, but they also contain a darker set of ideas related to some societies’ imposition of a uniform standard to measure us all. The history of phrenology, census categories, racialized notions of beauty and intelligence, and even the fashion and cosmetics industry, can all be seen to participate in this often violent history.

All portraits are hung at the height of the person represented:
Danielle Terrazas Williams (United States/México), 67 in. (170 cm)
Ariel Dorfman (Chile), 73 in. (186cm)
Guillermo Trejo (México), 70 in. (178 cm)
Beatriz Rodriguez Balanta (Colombia), 65 in. (165 cm)
Mateo Parrado (Argentina), 45 in. (115 cm)
Carmen Yareli Yañez (México), 61 in. (155 cm)
Marcelo Fernandez Osco (Bolivia), 69 in. (175 cm)

PUNTO-CONTRAPUNTO-FUSIÓN (HOMENAJE A DANIEL BUREN)
2004/2006

Instalación C-print y máscaras espejo para uso público

Esta obra se ocupa de las variadas formas de identificación que experimentamos en nuestros encuentros cotidianos: el sonido de nuestros nombres en relación el uno con el otro y lo que asociamos con ellos, cómo nuestros cuerpos se ponen a prueba el uno con el otro, nuestras nacionalidades, nuestra edad, género y el color de nuestra piel. Un mecanismo crucial en esta obra es que nuestra propia identidad siempre es dependiente y relativa a la de los demás. La analogía musical del título se refiere a las alturas fluctuantes de las máscaras y sus espectadores (punto – contrapunto), así como a los deseos y ansiedades experimentados por la confusión identitaria generada por la máscara (fusión). La máscara a rayas es una referencia directa a la exploración durante décadas del artista francés Daniel Buren de las estructuras sociales y físicas alrededor de la producción, percepción y distribución del arte, pero también presentan un conjunto más oscuro de ideas relacionadas con la imposición de algunas sociedades de un estándar uniforme para medirnos a todos. La historia de la frenología, las categorías de los censos, las nociones racializadas de belleza e inteligencia e incluso las industrias de la moda y los cosméticos pueden ser vistas todas como participantes de esta historia a menudo violenta.

Todos los retratos cuelgan a la altura de la persona representada:

Danielle Terrazas Williams (Estados Unidos/México), 170 cm (67 in.)

Ariel Dorfman (Chile), 186 cm (73 in.)

Guillermo Trejo (México), 178 cm (70 in.)

Beatriz Rodríguez Balanta (Colombia) 165 cm (65 in.)

Mateo Parrado (Argentina), 115 cm (45 in.)

Carmen Yareli Yañez (México), 155 cm (61 in.)

Marcelo Fernández Osco (Bolivia), 175 cm (69 in.)

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The Execution of Maximilian: Tableau Vivant for Ten Participants
(Parts 1 & 2)
2006

Part 1: Oil paintings for wall and floor, mirror masks and reproduction of Edouard Manet’s The Execution of Emperor Maximilian, 1867 (Städtische Kunsthalle, Mannheim). Part 2: Oil painting on wood and drawing on paper.

Museum visitors are here encouraged to reenact The Execution of Maximilian by wearing the masks provided on the wall boards, and standing on the platforms on the floor. Instead of using rifles as is done by their models, visitors are invited to shoot with their cameras, creating multi-perspective renditions of the famous painting. The reenactment can also be done with fewer than ten people. Two preparatory drawings and a painting showing the patterns that result from the view of figure #3 (Tomás Mejía in Manet’s painting) constitute part 2 of the project. Manet’s orginally banned masterwork is again placed at the center of anti-colonial struggles, just as its reincarnation in the present foregrounds the ongoing relevance of political executions as a form of spectacle. During its first public viewing in New York for Lasch’s Queens Museum solo exhibition, for example, this topic highly resonated with webcast beheadings of journalists and other intentionally spectacular executions, staged in Fallujah and other places by those fighting against the US-led invasion and occupation of Iraq. Only a few months later, we would all witness the global broadcasting of Saddam Hussein’s unlikely death ‘by hanging.’

LA EJECUCIÓN DE MAXIMILIANO: TABLEAU VIVANT PARA DIEZ PARTICIPANTES (PARTES 1 Y 2)
2006

Parte 1: Pinturas al óleo para piso y pared, máscaras espejo y reproducción de La ejecución del emperador Maximilano, de Edouard Manet, 1867 (Städtische Kunsthalle, Mannheim). Parte 2: Pintura al óleo sobre madera y dibujo sobre papel.

Se incentiva a los visitantes del museo a recrear La ejecución de Maximiliano al usar máscaras proporcionadas en las paredes y pararse en las plataformas en el piso. En vez de usar rifles como lo hacen sus modelos, se invita a los visitantes a disparar con sus cámaras, creando una ejecución de perspectiva múltiple de la famosa pintura. La recreación también puede llevarse a cabo con menos de diez personas. Dos dibujos preparatorios y una pintura que muestra los patrones que resultan de la vista de la figura #3 (Tomás Mejía en la pintura de Manet) constituyen la parte 2 del proyecto. La obra maestra de Manet originalmente prohibida se coloca nuevamente al centro de las luchas anticoloniales al tiempo que sus reencarnaciones en el presente ponen en primer plano la relevancia aun en curso de las ejecuciones políticas como una forma de espectáculo. Durante su primera exhibición en Nueva York para la exhibición individual de Lasch en el Museo de Queens, por ejemplo, este tema resonó fuertemente con las transmisiones en línea de decapitaciones de periodistas y otras ejecuciones intencionalmente espectaculares escenificadas en Fallujah y en otros lugares por aquellos luchando contra la invasión y la ocupación de Irak encabezada por Estados Unidos. Tan sólo unos meses más tarde, todos seríamos testigos de la transmisión de la poco probable muerte “por ahorcamiento” de Saddam Hussein.

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Statements on Masks
2005

Installation and optional performance (ongoing)

This piece consists of an installation and optional live bilingual art action. The installation presents the objects used during the art action, inviting participants to inhabit a space that merges the classroom, the TV show room, and the temple. Statements are read in one language by the person behind the table, and another language by the public facing him or her. The statements have been written in relation to the practice of masking or the notion of what we call ‘natural.’ One mask is worn by the person behind the table, while the other one circulates to a new member of the public at the reading of each new statement.

DECLARACIONES SOBRE LAS MÁSCARAS
2005

Instalación y performance opcional (en curso)

Esta pieza consiste en una instalación y la opción de acción artística bilingüe en vivo. La instalación presenta los objetos usados durante la acción artística, invitando a los participantes a habitar el espacio que se funde con el salón de clases, el cuarto de televisión y el templo. Las declaraciones se leen en un idioma por la persona detrás de la mesa y en otro lenguaje por el público frente a él o ella. Las declaraciones han sido escritas en relación con la práctica del enmascaramiento o la noción de lo que llamamos “natural”. La persona detrás de la mesa usa una máscara, mientras que la otra circula hacia un nuevo miembro del público en la lectura de cada nueva declaración.

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The Experimental Kit
2006

Box on wheels with 12 mirror masks of various designs, including sample instructions sheet. Collection of Gilberto Cárdenas (#3 of 6)

Designed for project participants, teachers, collectors, and the artist himself in his ongoing ‘Naturalizations’ workshops, these boxes allow for the easy transportation of mirror masks for slightly larger activities and installations. In some cases, they have also been used by groups and individuals through a special ‘check out’ system, much like a book may be borrowed from a library.

EL EQUIPO EXPERIMENTAL
2006

Caja sobre ruedas con 12 máscaras espejo de varios diseños, incluyendo una hoja de instrucciones de muestra.

Colección de Gilberto Cárdenas (#3 de 6)

Diseñadas para participantes del proyecto, profesores, coleccionistas y el artista mismo en sus talleres continuos de “Naturalizaciones”, estas cajas permiten una transportación fácil de las máscaras espejo para actividades e instalaciones ligeramente más grandes. En algunos casos también han sido usadas por grupos e individuos mediante un sistema especial de “préstamo”, muy parecido al modo en que puede prestarse un libro en una biblioteca.

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Can You Rephrase That in the Form of a Question
2009

This site specific choreography was created by Mark Dendy for the Durham Performing Arts Center in the context of the 2009 American Dance Festival. Dancers wearing Lasch’s mirror masks engaged the audience in hallways, bars, staircases, and other spaces of the building not conventionally used for dance and performance.

¿PUEDE REFORMULARO EN FORMA DE PREGUNTA?
2009

Esta coreografía de especificidad de sitio fue creada por Mark Dendy para el Centro de Artes Escénicas de Durham en el contexto del Festival de Danza Americana. Los bailarines que usaron las máscaras espejo de Lasch interactuaron con la audiencia en los pasillos, bares, escaleras y demás espacios del edificio que no se usan convencionalmente para danza y performance.

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Missing Reflection: A Photoessay on Masking
2009 / 2010

The images presented here are documents and artworks related to a series of workshops in Port-Au-Prince, Haiti in the context of the first edition of The Ghetto Biennale (2009). Created in collaboration with Esther Gabara, the workshops and their related photoessay also address the unspeakable loss experienced by friends and collaborators in Haiti only a few weeks later, during the tragic earthquake of 2010 and its lingering aftermath.

REFLEJO FALTANTE: UN FOTO ENSAYO SOBRE ENMASCARAMIENTO
2009-2010

Las imágenes aquí presentadas son documentos y obras de arte relacionadas con una serie de talleres en Puerto Príncipe, Haití en el contexto de la primera edición de la Bienal del Ghetto (2009). Creada en colaboración con Esther Gabara, los talleres y sus relativo foto ensayo también trata la pérdida innombrable experimentada por amigos y colaboradores en Haití tan sólo una semanas después durante el trágico terremoto de 2010 y sus persistentes repercusiones.

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Vertical Flâneur
2012

Site-specific workshop for 2 London Eye rotations (60mins), consecutive installation, dimensions variable

Produced for Hayward Gallery’s ‘Wide Open School’ exhibition, and held on board of a capsule of the London Eye, this experimental workshop on non-linear space and time combined live aerial views from the London Eye with the use of optical and perceptual devices. Also addressed was London’s historical role - as the heart of a naval empire, and the place that set the global clock by Greenwich Mean Time - as the leading manufacturer and exporter of rational, linear time. As this workshop unfolded during the Eye's ascent and descent, consideration of key London landmarks in the history of time were contrasted with a collective experiment against the temporal linearity they have instilled.

Flâneur Vertical
2012

Taller de especificidad de sitio para 2 rotaciones del Ojo de Londres (60 mins), instalación consecutiva, dimensiones variables

Producido para la exhibición “Escuela bien abierta” de la galería Hayward y realizada a bordo de una cápsula del Ojo de Londres, este taller experimental en espacio y tiempo no lineales combina vistas aéreas en vivo del Ojo de Londres con el uso de artefactos ópticos y preceptivos. También se trató acerca del papel histórico de Londres, como el corazón de un imperio naval y del lugar que estableció el reloj global y el Tiempo Medio de Greenwich, como el líder manufacturero y exportador del tiempo racional y lineal. Al tiempo que este taller se desarrolló durante el ascenso y descenso del Ojo, se contrastaron los puntos de referencia claves de Londres en la historia del tiempo con un experimento colectivo en contra de la linealidad temporal que dichos puntos han inculcado

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Naturalizations: Questions, Statements, and Propositions
(2002-2014)

Short, fragmentary writings for collective inquiry

The intentionally non-linear and fragmentary writing process of these texts has been developed over the years for the many workshops, events, installations, and actions that are part of the Naturalizations series. Depending on the context, selections of these may appear on walls, in publications, engraved on the mirror masks themselves, or simply exchanged verbally by a group of participants. The order in which they appear has no relationship to chronology, hierarchy, importance, or subject matter.

QUESTIONS

What are we before we are naturalized?

How do we write the biographies and histories of the unnamed?

Can there be a portrait without facial representation?

Can there be portraiture without individuals?

What is an abstract portrait? (or is there no such thing?)

What is an anti-portrait?

What is a visual question?

What is collective citizenship?

Who is excluded from the tradition of biography and how exactly?

What is implied by our grand historical narratives and artistic canons?

How exactly do museums include and exclude their subjects?

Other than religious, ethnic or national identity, what structures may help sustain and exhibit the art of those considered outside or beneath the Western canon?

Can we think of representative museums that intentionally refuse the use of biography, geography, or chronology as their main organizational categories? What may we gain by doing so?

What is abstraction in politics? A flag? A constitution? Four powers? Representatives of the people?

What forms of government rely most heavily on the power of visual and linguistic abstraction?

If voting is secret and anonymous in modern democracies, why is it so deeply anchored in facial identification?

Can a militant viewership re-inscribe power in the faces of those who refuse to be stripped of all dignity?

What are worthwhile aesthetic and scientific experiments in the struggle for social justice?

Why does it seem startling, absurd, or even offensive, to copy a painting by Jackson Pollock or Mark Rothko, when we are faced everyday with their endless repetition?

Where exactly are the borders between the historical, the modern, and the contemporary? How porous or rigid are they? May we use these mirror masks as tools for creative border crossing?

Must all dialogue be premised on mutual acknowledgment and recognition, or may some forms of it benefit from an intentional mutual erasure? What social and physical conditions allow for such temporary suspensions of our ego?

What are ideal tools and methods for the social transformation of our public cultural institutions, be it for aesthetic or political purposes?

How do we explain the fact that so many of the most radical manifestations of contemporary art are produced and incubated within education and public program departments? How may our answers lead to a reevaluation of the role of objects, collections, exhibitions, and curators, so central to the life of these cultural institutions?

As a creator and collector of experiences, how may I donate my collection? To whom, in what forms, to which bodies and institutions?

PROPOSITIONS

The mask erases the division between portrait and landscape.

We play with the mask and discover new spaces, formerly closed by the history of our faces.

The ontological self is impossible in the logic of the mask.

The face’s frame does not allow linear narratives.

The mask distributes power among those who use it.

The mask is our entryway to collective being.

Whether called animism or phenomenology, the masks enact our animation of inanimate objects: in icons and mirrors, in sculptures and altars, in stories and journals. (with E. Gabara)

The mask is the / in the s/he, at once photographer and subject, author and participant, victim and perpetrator. An aesthetics, and perhaps the beginning of a politics, of liberation through error, confusion, and refraction. (with E. Gabara)

Black skins...white masks...white skins...black masks...white masks...masked black. (with E. Gabara)

Each mask is the page of a book that cannot be read alone, a book whose pages have been spread out over time and space, only to be rejoined through imagination or death.

If there is avant-garde folklore, then mirror masks should be part of it.

STATEMENTS

Our mask denounces our invisibility.

The world’s worst criminals do not wear masks.

They say the camera is a mirror with a memory. The mask inevitably incorporates the agent and apparatus of this memory.

It’s about mythologies, naturally.

Warning: The mask may reflect the ugly face of power.

The royalties and copyright assumed to belong to he or she who holds the camera are denied to the he or she who is depicted, unless, of course, the camera looks up to the hand that feeds it.

Give me your life and land. I will give you mirrors and trinkets.

Undocumented mass migration is a war that happened, and continues to happen, without the middle and upper classes even noticing. With armed resistance struggles these classes are at least forced to pay attention, but without that, and without the power of remittances, migrants would be as ignored and vulnerable in their home countries today, as they were when they were first forced to leave.

Having multiple passports and speaking several languages has never been a problem for the cosmopolitan elites. Multilingualism and multiculturalism only become a problem when they apply to a transnational working class.

The mirror mask deflects all gazes from its user. In a perverse sense, this is much like whiteness remains invisible and unaccountable for in the global production of gendered and racialized minorities. Women and colored people may find temporary relief in the mask’s reflections, and even use them as a tool for solidarity. But at the end of the day we must strip white culture of its mask, call it by its name, and point to it as the powerfully entrenched minority that it is.

Goethe once referred to symmetry as the aesthetics of fools. Even when they incorporate processes of reproduction, modern and contemporary art practices have likewise assumed a pejorative, dismissive, or ironic stance toward the power of replicas and direct copying.

Roland Barthes proposed a new art of listening that would supplant the modes of listening of the disciple, the patient, and the believer. If we want to create an analogous revolution of the act of seeing, we must identify and supplant the hierarchical ways of seeing that connect our bodies with the current world picture.

NATURALIZACIONES: PREGUNTAS, DECLARACIONES Y PROPOSICIONES
(2002-2014)

Corto, escritos fragmentarios para investigación colectiva

El proceso de escritura no lineal y fragmentario de estos textos ha sido desarrollado a través de los años para los muchos talleres, eventos, instalaciones y acciones que forman parte de la serie de Naturalizaciones. Dependiendo del contexto, selecciones de estos pueden aparecen en las paredes, publicaciones, grabados en las máscaras espejo mismas o simplemente intercambiadas verbalmente por un grupo de participantes. El orden en el que aparecen no tiene relación con la cronología, jerarquía, importancia o tema.

PREGUNTAS

¿Qué somos antes de que nos naturalicen?

¿Cómo escribimos las biografías e historias de los sin nombre?

¿Puede haber un retrato sin representación facial?

¿Puede haber un retrato sin individuos?

¿Qué es un retrato abstracto? (¿o no existe una cosa tal?)

¿Qué es un anti-retrato?

¿Qué es una pregunta visual?

¿Qué es una ciudadanía colectiva?

¿Quién está excluido de la tradición de la biografía y exactamente cómo?

¿Qué implican nuestras grandes narrativas históricas y cánones artísticos?

¿Exactamente cómo incluyen o excluyen los museos a sus sujetos?

Aparte de la identidad religiosa, étnica o nacional, ¿cuáles estructuras pueden ayudar a sostener y exhibir el arte de aquellos considerados fuera o por debajo del canon occidental?

¿Podemos pensar en museos representativos que rechazan intencionalmente el uso de la biografía, geografía o cronología como sus categorías organizacionales? ¿Qué podríamos ganar al hacer esto?

¿Qué es la abstracción en la política? ¿Una constitución? ¿Cuatro poderes? ¿Portavoces de la gente?

¿Qué formas de gobierno se basan más considerablemente en el poder de la abstracción visual y lingüística?

Si el voto es secreto y anónimo en las democracias modernas, ¿por qué está tan profundamente anclado en la identificación facial?

¿Puede una audiencia militante re-inscribir poder en los rostros de aquellos que se rehúsan a ser privados de toda dignidad?

¿Cuáles son los experimentos estéticos y científicos que valen la pena en la lucha por la justicia social?

¿Por qué parece sorprendente, absurdo o incluso ofensivo copiar una pintura de Jackson Pollock o Mark Rothko cuando nos enfrentamos a su repetición sin fin todos los días?

¿Exactamente dónde están los límites entre lo histórico, lo moderno y lo contemporáneo? ¿Qué tan porosos o rígidos son? ¿Podríamos usar estas máscaras espejo como herramientas para crear un cruce de fronteras creativo?

¿Debe todo diálogo estar fundamentado en la aceptación y reconocimiento mutuo o podrían algunas de sus formas beneficiarse de un borramiento intencional y mutuo? ¿Qué condiciones sociales y físicas permiten tales suspensiones temporales de nuestro ego?

¿Cuáles son las herramientas y métodos ideales para la transformación social de nuestras instituciones públicas culturales, ya sea para propósitos estéticos o políticos?

¿Cómo se explica el hecho de que tantas de las manifestaciones más radicales del arte contemporáneo se producen y se incuban dentro los departamentos de educación y programas públicos? ¿Cómo podrían nuestras respuestas llevar a una reevaluación del papel de los objetos, colecciones, exhibiciones y curadores, los cuales son centrales para la vida de estas instituciones culturales?

Como creador y coleccionista de experiencias, ¿cómo puedo donar mi colección? ¿A quién, de qué formas, a cuáles cuerpos e instituciones?

PROPOSICIONES

La máscara borra la división entre retrato y paisaje.

Jugamos con la máscara y descubrimos nuevos espacios antes cerrados por la historia de nuestros rostros.

El ser ontológico es imposible en la lógica de la máscara.

El marco del rostro no permite narrativas lineales.

La máscara distribuye poder entre aquellos que la usan.

La máscara es nuestra entrada al ser colectivo.

Ya sea que se le llame animismo o fenomenología, las máscaras recrean nuestra animación de objetos inanimados: en íconos y espejos, en esculturas y altares, en historias y periódicos. (con E. Gabara)

La máscara es eso / es él-la, a la vez fotógrafo y sujeto, autor y participante, víctima y perpetrador. Una estética, y tal vez el inicio de una política, de liberación a través del error, confusión y refracción (con E. Gabara)

Pieles negras… máscaras blancas… pieles blancas… máscaras negras… máscaras blancas… negro enmascarado. (con E. Gabara)

Cada máscara es la página de un libro que no se puede leer solo, un libro cuyas páginas se han esparcido en el tiempo y el espacio, sólo para reunirse a través de la imaginación o la muerte.

Si hay un folclor vanguardista, entonces las máscaras espejo deberían ser parte de él.

DECLARACIONES

Nuestra máscara denuncia nuestra invisibilidad.

Los peores criminales del mundo no usan máscaras.

Se dice que la cámara es un espejo con una memoria. La máscara inevitablemente incorpora al agente y aparato de esta memoria.

Se trata de mitologías, naturalmente.

Advertencia: La máscara podría reflejar el feo rostro del poder.

Las regalías y derechos de autor que se asume pertenecen a aquel o aquella que sostiene una cámara se le niegan a aquel o aquella que es representada, a menos, claro, que la cámara vea hacia la mano que la alimenta.

Dame tu vida y tu tierra. Te daré espejos y chucherías.

La migración indocumentada en masa es una guerra que sucedió, y continúa sucediendo, sin que las clases medias y altas siquiera se den cuenta. Con las resistencias armadas estas clases al menos son forzadas a poner atención pero, sin ellos y, sin el poder de las remesas, hoy los migrantes serían tan ignorados y vulnerables en sus países de origen como lo fueron cuando se les forzó a irse.

Tener pasaporte múltiples y hablar varios idiomas nunca ha sido un problema para las élites cosmopolitas. El multilingüismo y el multiculturalismo sólo se convierten en un problema cuando se aplican a la clase obrera transnacional.

La máscara espejo desvía todas las miradas hacia su usuario. En un sentido perverso, esto funciona mucho al modo en que la blancura permanece invisible y sin responsabilidad en la producción global de las minorías marcadas por el género y la raza. Las mujeres y la gente de color pueden hallar alivio temporal en los reflejos de la máscara e incluso usarlas como herramienta de solidaridad. Pero al final del día debemos privar a la cultura blanca de su máscara, llamarla por su nombre y señalarla como la minoría poderosamente atrincherada que es.

Goethe se refirió una vez a la simetría como la estética de los tontos. Incluso cuando han incorporado procesos de reproducción, las prácticas de arte moderno y contemporáneo han asumido también una postura peyorativa, desdeñosa o irónica hacia el poder de las réplicas y la copia directa.

Roland Barthes propuso un nuevo arte de escuchar que suplantara los modos de escuchar del discípulo, el paciente y el creyente. Si queremos crear una revolución análoga al acto de ver debemos identificar y suplantar los modos jerárquicos de ver que conectan nuestros cuerpos con la imagen mundial actual.

“Naturalizations” is a work in progress based on the production and distribution of a set of masks, which are used in specific social situations. The masks are rectangular mirrors with slits in the eye and mouth area, and velcro suspenders, which enable the users to move around freely while wearing them. Over the years, the series has included interventions in public spaces, schools, grassroots settings, university seminars, publications, museum installations, as well as artworks in traditional media such as photography, painting, sculpture, dance, and theater. Taking place in many cities and countries around the world, Naturalizations projects have included hundreds of participants and dozens of partnering institutions.

The initial perception created by these masks is one of spatial and psychological confusion. Subjects are reversed if only one person is wearing the mask. If several people wear them and look at each other, their faces disappear and transform into an endless set of reflections of other mirrors, other faces, environments, and objects. Landscape and subject are one and many. Architecture merges with the body. Subjects are inseparable from each other, their bodies dismembered by rectangular planes departing and arriving through reflected gazes. Light breaks and travels on these masks with unpredictable speed and variety. Space and movement become counter-intuitive.

The masks force us to adapt to a new physical reality, one which denies what has become “natural.” The substitution of the facial marker of individuality for a sign of constant change and reflection results in the erasure of one kind of subjectivity, only to formulate a new set of social conditions. The hierarchical address of the observer, the photographer, and the interviewer is turned upon itself. The space behind the camera is made visible. A dancing group wearing the masks decides to perform for its own pleasure, or for the reflection of their audience. The daily balance between extroverted and introverted actions becomes a tangible visual rhythm. The mask is the new stage, framed by the theater of the everyday.

The temporary opening of these spatial constructions where viewers and authors are free to switch places, may also reflect on the merit of collective efforts and the fallacy of ontology. The process and title of the series “Naturalizations” also invites to constantly question “the natural” and those institutions - religious, mythological or governmental, which claim not only to know what is “natural,” but are even ready to issue their own stamps of “naturalization.”

“Naturalizations / Naturalizaciones” es una obra en progreso basada en la producción y distribución de un conjunto de máscaras para uso en situaciones sociales específicas. Las máscaras son espejos rectangulares con aperturas en el área de los ojos y la boca y tiras de velcro que permiten a los usuarios moverse libremente al usarlas. A lo largo de los años la serie ha incluido intervenciones en espacios públicos, escuelas, escenarios comunitarios, seminarios universitarios, publicaciones, instalaciones de museo, así como en obras de arte en medios tradicionales tales como fotografía, pintura, escultura, danza y teatro. Al tomar lugar en muchas ciudades y países alrededor del mundo, los proyectos de Naturalizaciones han incluido cientos de participantes y docenas de instituciones asociadas.

La percepción inicial creada por estas máscaras es una de confusión espacial y psicológica. Los sujetos se reflejan si sólo una persona usa la máscara. Si varias personas las usan y se miran unos a otros, sus rostros desaparecen y se transforman en un conjunto interminable de reflejos de otros espejos, otras caras, ambientes y objetos. Paisaje y sujeto son uno y son muchos. La arquitectura se funde con el cuerpo. Los sujetos son inseparables unos de otros, los planos rectangulares que salen y llegan a través de las miradas reflejadas desmiembran sus cuerpos. La luz se rompe y viaja sobre estas máscaras con una velocidad y variedad impredecibles. El espacio y el movimiento se vuelven contrarios al sentido común.

La máscara nos obliga a adaptarnos a una nueva realidad física, una que niega lo que se ha convertido en “natural”. La sustitución del marcador facial de individualidad por un signo de cambio constante y reflexión resulta en el borramiento de un tipo de subjetividad que formula un conjunto de condiciones sociales nuevas. La posición jerárquica del observador, del fotógrafo y el entrevistador se vuelca contra sí misma. El espacio detrás de la cámara se hace visible. Un grupo que baila usando las máscaras decide actuar para placer propio, o para ver el reflejo de su audiencia. El balance cotidiano entre las acciones extrovertidas e introvertidas se convierte en un ritmo visual tangible. La máscara es el nuevo escenario, enmarcado por el teatro de lo cotidiano.

La apertura temporal de estas construcciones espaciales en que los espectadores y autores son libres para intercambiar lugares también podría reflejarse en el mérito de esfuerzos colectivos y la falacia de la ontología. El proceso y título de la serie “Naturalizaciones” también invita a cuestionar constantemente “lo natural” y a aquellas instituciones, religiosas, mitológicas o gubernamentales, que no sólo afirman saber lo que es “natural”, sino que también están dispuestas a emitir sus propias estampas de “naturalización”.